Brilla tú, Stone loco

Sentarse a mirar una película sobre un concierto de los Rolling Stones dirigida por Martin Scorsese y en Nueva York, no deja espacio como para no ceder a la fascinación. Shine a Light es el registro de casi dos horas de show de la banda, en 2006, en el Beacon Theatre. Scorsese, obsesionado por el paso del tiempo (Scorsese siempre está obsesionado por algo) quiere plantear y lo subraya a cada rato, como es que los Stones siguen girando y tocando a la edad en la que Paul McCartney se veía en Sargent Pepper como un abuelito en la mecedora y con la mantita.
Hasta ahí la información que manejan hasta las gacetillas de prensa. Martin Scorsese jamás ha hecho películas de superficie. Buscador de infiernos particulares que envuelven a sus criaturas y se llevan puesto a su mundo, Scorsese baja con una aparente inocencia al inframundo stoniano: Jagger, Richards, Wood y Watts parecen condenados al show eterno, a la gira sin fin, a no morir artísticamente y eso tiene un precio.
-“Si dejamos a Mick 18 segundos bajo esas luces, lo quemamos… Y no podemos hacer eso
-“¿Qué no podemos hacer?
-Incendiar a Mick Jagger…
Martin Scorsese no termina de entender porque Mick Jagger no puede ser incendiado cuando dialoga con el jefe técnico encargado de instrumentar la filmación con 16 cámaras del concierto. Todos los personajes de la filmografía de Scorsese han ardido por sus pecados, las cruces que cargan por propias y también por ajenas. De Niro en Toro Salvaje, Taxi Driver y Cabo de Miedo, por citar las emblemáticas, fue simpático con el demonio y en ocasiones hasta llegó a ser redimido. Scorsese se da gustos en vida con este film. Hasta imagina como hubiera sido la salida del ring de Jake La Motta (Toro Salvaje) si su vida lo hubiera encontrado vencedor y feliz.
Shine a Light no es una película sobre los Stones, sino sobre Scorsese. El director oficia de anfitrión de la banda en Nueva York y se encarga de demostrar porque esa música que lo motorizo para insiprirarse y crear, sigue en manos de señores mayores con piel de papiro, mandíbulas que esconden dentaduras postizas ausencia de dientes, escupidas cansadas y brazos torneados pero de viejos.
Scorsese también da una clase magistral de cómo debe ser transmitido y filmado un concierto de rock, con sus misterios revelados, las púas acomodadas en el pie de los micrófonos, lista de temas y machetes esparcidos por donde Jagger pisa y un ejército de asistentes que se ven en backstage, como para dejar en claro que el mundo real, la vida verdadera, transcurre en otro lado. Mientras los Stones fascinan en un teatro coqueto y bien ambientado, atrás hay gente que trabaja.
Scorsese va a machacar una y otra vez con imágenes de archivo sobre la edad de los músicos. Sobre las preguntas trilladas que cruzan todos las eras de un periodismo que siempre parece bobo. Los Stones hoy tienen la edad que tenían los periodistas que los entrevistaban para televisión cuando comenzaron en los 60.
Esta película me reconcilia con los Stones, a quienes veía repetitivos y previsibles. Keith Richards ya es una mueca de Jack Sparrow y no al revés. No me importa. Tengo a los Stones de vuelta.
A Martin Scorsese jamás lo había perdido.

Video del funeral de Brian Jones

Dos días en la vida de una chica a la que le cuesta salir de Europa

Dos días en París es la primera película como directora de Julie Delpy, actriz francesa, que no para de bromear con su culo un tanto fofo a sus treinta y pico y que no logra estabilizar su vida fuera de Europa. Sin embargo, esa es la Delpi de la ficción, la que se reinterpreta en sus films como actriz o como directora. La Delpi real vive en Estados Unidos y tiene una madurez cinematográfica que pueden darle un rango de directora con lo que yo al menos espero de una película dirigida por una mujer: que tenga una óptica femenina y no feminista. El feminismo ha creado la versión masculina de la mujer, cosa que era innecesaria. Pero en fin, allá ellas y no es el tema de esta entrada

A esta altura sabrán que Julie Delpy es la protagonista de Antes del Amanecer, la historia de un chico norteamericano (Ethan Hawke) y una chica francesa que se conocen en un tren y en un día viven la intensidad de las cosas chicas y grandes de una pareja recorriendo una ciudad suiza (?), austríaca (?), no recuerdo bien. El film plantea el interrogante que forma parte de la fantasía o la realidad sobre si esa persona que de pronto se nos cruza, a la cual dudamos en correr o no, que sabemos su contacto con nosotros quizás sea efímero y luego nunca volvamos a ver y que, tal vez, pueda ser el amor de nuestra vida. Todos hemos pensado si alguien a quien conocimos en otros tiempos, quizás sea la persona con la que debimos estar. Sin embargo creo que esa es una producción personal de aquellos que suelen poner en el pasado (la niñez, la secundaria, el club...) el centro de su vida afectiva y que adoptan una convivencia con la nostalgia que los hace felices. Una mierda.

Delpi es la chica francesa, comprometida socialmente con todo lo que afecta al alma humana y que piensa en los derrames tóxicos en la India hasta cuando coge. Algo más crecida plantea el mismo perfil en Antes del Atardecer, el mismo encuentro, con el mismo chico, pero diez años más tarde.
En 2 Días en París, Julie Delpy ha conseguido finalmente dejar Francia (que es lo mismo que dejar Europa) e instalarse en Estados Unidos. Sin embargo Nueva York es una vivencia que aparece sólo como referencia en la película, para una pareja que de retorno de un viaje por Venecia, tras dos años de relación, deciden pasar 48 horas en la casa familiar de la Delpy.
Su novio, Adam Godberg (en la película Jack y creo que ex pareja de Delpi) tiene una pequeña pero potente dosis de lo que es su novia metida en su familia, sus amigos, su exagerada cantidad de ex novios, su pasado de bombacha floja y todo lo que forma parte de un europea vista con los ojos de un norteamericano.

La película es sustanciosa porque todos los lugares comunes de Estados Unidos y Francia, atravesados por la relación amorosa de una pareja, son motivo de burla y a la vez son decisivas para plantear los conflictos de esa relación: el norteamericano es lineal en sus pensamientos y la francesa no puede dejar de complejizar hasta un razonamiento banal. El norteamericano teme viajar en subte por si hay un ataque terrorista y los franceses no dejan de ver a Bush hasta en un turista que es diseñador gráfico. Los franceses no paran de toquetearse entre ellos con naturalidad y el norteamericano hace de la propiedad privada un culto.

Julie Delpy se mofa de su culo, de los taxistas racistas, de los franceses que se burlan de los norteamericanos cuando no los entienden y de la necesidad imperiosa que tienen determinadas almas de poner ideología en todo lo que hacen y dicen. Como las chicas que esperaban el ok del Comité Central para dejarse tocar una teta.

Recomiendo verla solo. Las parejas que andan todo el tiempo buscando una respuesta en el aire o en un film para ver que les pasa, pueden sentir al final un silencio incómodo. Que de seguro les caga la pizza.
#Julie Delpy en IMDB

Julie Delpy en Antes del Atardecer

Gangster Americano y lo que sobrevive del cine de autor

Gangster Americano, tal su traducción acá, es una película que tiene sus méritos sin ser una gran película. Sobresale porque parece pertenecer a otra época del cine, cuando los films eran de los directores y no tanto de los productores y menos de los estudios.
Riddley Scott es un director que se ha atrevido con varios géneros: western (Los Duelistas), ciencia ficción (Alien, Blade Runner), épicas (Gladiador), policiales (Lluvia Negra), bélicas (La Caída del Halcón Negro), aventuras (Thelma & Louise) y aunque tiene en su lista varios bodrios, su balance le da positivo en líneas generales. Scott ha conocido diferentes épocas de la industria del cine de los últimos 30 años y ha conseguido dejar su impronta más allá de haber laburado mucho por encargo.
Que su obra cumbre, Blade Runner, pueda ser lanzada recién ahora, 25 años más tarde, tal como Scott la pensó, habla de su tenacidad como creador y de como el mercado cinematográfico le sigue sacando el jugo a las producciones de otros tiempos. Blade Runner, finalmente, parece haber logrado su edición definitiva.
En Gangster Americano el director toma riesgos. Quitarle la mafia a los italianos en las películas de pandilleros barriales en otros tiempos de Nueva York, es una apuesta. Martin Scorsese luego de haber dado vuelta las malas calles neoyorkinas hizo que el eje pasara a los irlandeses con Los infiltrados, luego de manejar los negocios ilegales con los italianos en todas sus formas.
Riddley Scott subvierte el mundo de las drogas al tomar una historia real en la que el malo es un negro. Denzel Washington, quizás harto de ser el bueno en cada producción que le toca, le dio un shot de adrenalina a su carrera siendo Frank Lucas, un narcotraficante cuyo poder era tal que usaba aviones de la fuerza aérea norteamericana para importar heroina desde Bangkok en plena guerra de Vietnam y venderla en las calles de Harlem.
La historia tiene potencia porque se trata de un orden subvertido: un negro manejando el negocio sucio de las calles cuando los blancos (italianos, irlandeses) corporizaban las mafias de la droga en todos los distritos de Nueva York.
Scott echa mano al moldeable Rusell Crowe para darle contrapeso al film con un policía judío, honesto en un departamento de policía cloacal y además cierra el círculo del añorado cine de autor: trabajar con un actor fetiche. Crowe puede ser para Scott lo que De Niro para Scorsese, lo que Brando para Coppola, lo que Eastwood para Don Siegel, lo que Luppi para Aristarain.
Gangster Americano tiene una buena construcción de época. Usa el boxeo como telón de fondo para marcar un momento político de Estados Unidos, con un tercio de las tropas que combatían en Vietnam dopadas con heroína. Hasta se permite bromear con la aparición del microondas como objeto de consumo novedoso que en su momento se vendía exclusivamente para hacer pochoclos en casa:otro mensaje para el cine de estos tiempos que casi no tiene autores y los pochoclos son industriales.
La película es en esencia una buena historia. Con los lugares comunes esperados y que como tales no defraudan. Un narcotraficante negro con códigos de "famiglia", un policía incorruptible que considera que con eso alcanza y los puntos de contacto que suelen tener los personajes tan disímiles.
American Gangster es las inferiores de El Padrino, el otro lado del espejo de Caracortada, un boceto de Buenos Muchachos en una mesa de bar. Pero sobresale en estos tiempos donde las buenas historias escasean.

Scorsese le rinde tributo a Hitchcock en un comercial de Freixenet

Freixenet es un champagne al que no se le puede decir champagne porque los franceses se han apoderado del término. Los polacos andan atrás de algo parecido con el vodka ya que todo el mundo (nuevo) cree que es un invento de Absolut.
Como sea, Freixenet convocó a Martin Scorsese para que rodara un adverfilm ó movie ad. También, como sea...
Lo único importante es que Scorsese aprovechó la ocasión para hacer una obra maestra. No voy a perder el tiempo debatiendo si es correcto que un director como Scorsese haga un comercial. Ya está, ya pasó.

#The Key to Reserva, by Martin Scorsese

El cine, la música y la literatura tienen jerarquías

En unos días se va a estrenar una película de Brian De Palma, uno de mis directores favoritos: The Black Dahlia. Sin dudas la veré. Puedo conceder que algunas películas de Brian De Palma quizás hayan envejecido algo. Son títulos que cruzan la década del 70 y marcan cierto rumbo del cine de los 80:Doble de Cuerpo, para mí, es el film que decreta el por entonces ascendente reinado del video hogareño. Y un clásico debe vencer el paso del tiempo si es que pretende serlo.

A partir del arte que envejece, me puse a pensar en la valoración negativa que se hace cuando un consumidor cultural queda empantanado en otra época.

Como los rockeros que no pueden cruzar la frontera de los 80 para valorar la música, como los cinéfilos que no logran entender que un nuevo y buen cine se hizo luego de Truffaut, Hitchcock y Antonioni. El anclaje en el tiempo es doble: habla de una falta de capacidad para adaptarse a las nuevas generaciones y una excesiva dependencia de esa canción y ese film. Ese director o esa banda.

Pero la literatura queda al margen de esta forma de entender el pasado y el presente. Si alguien se presenta simplemente como lector de obras clásicas de Shakespeare a Borges, de Cervantes a García Márquez, el propio arte nos cobija.

No hay una valoración negativa en ese sentido, sino por el contrario, un modo de respeto quizás equivalente al que solamente escucha a Mozart ó Beethoven

La literatura clásica quizás encierre todo el valor y la potencia que todos los libros que siguieron a lo largo de la historia fueron persiguiendo y homenajeando hasta hoy.

Probablemente los clásicos del arte sean aquellos que consiguen abarcar todas las épocas, el pasado ya revisado y el futuro, obviamente, aún por hacerse

Los Beatles seguramente tengan algo de eso.

Mientras tanto, por respeto al que soy y al que fuí, espero con ganas la película de Brian De Palma.

#Entrevista a Brian De Palma

Los saltos de los formatos

En medio de una cena con mi amigo Fabio, de pronto surgió el recuerdo de la película de Bill Murray y Andy McDowell, El Día de la Marmota. Es la historia de un reportero meteorológico que cubre en una ciudad de Estados Unidos, la salida de una Marmota que, según cuando sale, anuncia cuanto tiempo de invierno todavía queda. Por una razón que no consigo recordar (la ví hace mucho), el personaje de Murray está condenado a vivir una y otra vez el mismo día. Suena el despertador a las 6AM y el sigue enfrascado en el mismo día que vivió ayer y el mismo que vivirá mañana. No sé porque nos acordamos en la cena de ese film.
Lo que si recuerdo es que en esa momento me dí cuenta que hay películas que se pierden cuando la industria cambia de formato. Cuando el VHS fue desplazado por el DVD, siempre hay registros que se pierden. Que no alcanzan a dar el salto. Una vez que un modo cultural reemplaza a otro, hay trabajos que pierden la fuerza original. Creo que a la película de la marmota le pasó eso.

La libertad en la tristeza

Está disponible en los DVD clubes (el video murió...) una película con Adam Sandler llamada Reign Over Me. Pero antes de hablar de Adam Sandler tengo que hablar de Mike Binder, un típico actor norteamericano que todos conocen de vista y pocos de nombre, que además es director. HBO dio hace tres años una serie muy buena hecha por él llamada La Mente de un Hombre Casado que planteaba dilemas de los cuarentones (casados) que aún en matrimonios que funcionan bien, precisaban apretar la tecla REFRESH, para que las cosas funcionen mejor y actualizadas.

Binder cuenta la historia de un odontólogo que perdió a su familia y hasta su perro en uno de los aviones que dio contra las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001. De movida es un planteo interesante sobre un hecho globalmente conocido que generalmente tiene una lectura política y no humana. A "nivel país" y no "a nivel personal". Adam Sandler es el afectado. Una persona a la cual el dolor la ha traspasado y triturado y que ya no tiene registro sensorial del mundo cotidiano. Lo inquietante del film es que ese dolor, esa nada emocional que es su vida, le otorga una libertad de pensamiento, acción y palabra que alguien supuestamente "feliz" no se permitiría. Una gran película, triste, pero sin golpes bajos. La música actúa como un refugio indispensable para protagonistas y espectadores. Hay una versión de Reign Over Me hecha por Perl Jam que es desgarradora.

Ocupémonos de Adam Sandler ahora: típico comediante del Saturday Night Live, procaz, genital y que hace de la tirada de pedos un argumento. Con un costado doloroso y oscuro en cada una de sus películas.

A mi los pedos me hacen reír. No me dan carcajadas, pero me divierten.

#Trailers y entrevistas sobre la película

#Canciones de la película

Los cameos de Hitchcock

Buscando info para una nota que tenía que escribir, me encontré con el listado completo de todos los cameos que hizo Alfred Hitchcock en sus películas. Están detallados hasta con su duración en pantalla.

La parte de Tarantino

Mario y Eduardo, mis compañeros de radio, me han dicho que fue feliz mi expresión cuando dije que Quentin Tarantino, cuánto más se despega del guionista que fue, más débiles son sus películas como director. Su fuerza inicial parece diluirse a medida que la silla de director lo tiene más ocupado y preocupado. Las conversaciones de Reservoir Dogs y Pup Fiction son mucho más sabrosas que los diálogos que vinieron después en sus obras.

Esto surge porque pude ver Death Proof, la parte que le toca a Tarantino de su producción doble con Robert Rodriguez al estilo Grindhouse de los 70.

No quiero abundar en detalles, pero no sé, algo le pasó a esa película en la mitad. Algo falta y falla. Pero los momentos de acción son sublimes.

¿Dónde la ví? En casa, bueno, un amigo trajo el DVD de Estados Unidos...en fin, es muy largo de explicar. ¿Quién quiere saber tanto?

La diferencia de Los Simpson con otros tanques

Cuando aparecen películas denominadas "tanques" desde la industria de Hollywood mucho son los que se preguntan porque esas películas son tan largas: El Señor de los Anillos, Shrek, Harry Potter, Piratas del Caribe, son producciones de grandes costos y una abarcadora estrategia de recuperación de la inversión: merchandising, DVD, televisión y hasta venta de películas en soportes digitales y pronto (ya) para teléfonos.
Las películas largas bloquean las salas de los complejos. Son diques para que otras películas (jamás diré pelis) no puedan ingresar. Quien pueda leer el libro The Long Tail entenderá perfectamente cual es la suerte de las películas que no tienen pantalla: en Estados Unidos hay capacidad para estrenar no más de 100 films por año y solamente cada edición del Festival de Sundance exhibe y promociona miles de películas en cada edición.
Los Simpson, sin embargo, es una película corta. Y encima con un marketing de objetos, juegos y lo principal, un programa de TV en su temporada número 18, que aventaja por lejos al resto de las películas-tanque. Los Simpson terminan por rematar a las otras producciones (norteamericanas, iraníes, argentinas y europeas) a fuerza de repetición con datos contundentes:
-Village Recoleta la exhibe en 15 funciones diarias
-Cinemark Palermo la exhibe en 17 funciones diarias.

Con apenas 88 minutos de duración, Los Simpson no le dan respiro a los otros films. Y quizás le hayan dado otra vuelta al negocio del cine. Eso no lo sé.

Los Simpsons le rompen el culo a todas las películas de animación

Perdón por el exabrupto del título, pero precisaba poner algo contundente. La potencia de la película de Los Simpsons está en su propio núcleo, en el centro de un corazón que le da identidad a la serie desde hace 400 títulos en TV: su simple existencia.

Matt Groening, Fox Broadcasting Company y todos los involucrados en la creación no precisaron de técnicas de seducción con avances tecnológicos en materia de animación para atraer al público. Sus personajes, su historia y recursos clásicos de humor para atrapar a los que no sean seguidores de la serie, se bastan para concretar una buena película

Siendo un producto televisivo tenían más para perder que para ganar. El salto del comic y de la TV al cine está lleno de films que engrosan las fichas virtuales de IMDB con productos fallidos o que precisan de enorme complicidad de los fieles para satisfacer como película.

Los Simpsons son clásicos y modernos a la vez. Referencias al Grand Theft Auto, ringtones de Nokia y parodias a Disney los hacen irreverentes, incorrectos y extremadamente populares.

Los Simpsons condensan buena parte de la cultura del siglo XX de las artes, el cine, la TV, la música y abundan en referencias masivas y elitistas según el termómetro cultural de quien mira.

Plagados de personajes que sobrevuelan la historia de la película, con vertientes inacabables para "spin-offs" de la trama central, Los Simpsons acaban de enterrar al resto de las películas animadas por un buen tiempo.

Los Simpson son una cultura dentro de la cultura. Un mundo paralelo que conecta con el nuestro y se nutren de un ida y vuelta que ningún programa en la historia de la TV ha podido igual. Y la historia de la TV ya es la historia del hombre.

Transformers: pochoclo total

Pueden acceder desde acá a un trailer promocional de la película Transformers. El doblaje al español le da una gracia extra al asunto.

La vida de los otros

La vida de los otros es una película que transcurre en 1984 y narra la metodología que tenía la Stasi (policía secreta de Alemania Oriental) para espiar la vida ajena y detener y castigar a cualquiera por cualquier cosa. La historia se basa en un grupo de personas del mundo del teatro y describe el sistema de opresión que tenía el régimen para mantenerse vigente hasta la caída del Muro en 1989.

Pobre Alemania, tuvo a Hitler y a Honecker. Nunca lo dije, pero desprecio a los dos sistemas que la sometieron y la dividieron aún en nombre de una paz hecha por el hombre nuevo. Antes me parecía uno más entendible que el otro. Alemania ahora me parece un lindo país con gente buena y mala, como siempre es la gente en cualquier parte.

300

Ví 300. La historia de 300 espartanos liderados por Leónidas que buscan derrotar a un ejército de millones de persas, haciéndolos cruzar por un pequeño pasillo entre las montañas, para que la la cantidad de soldados no prevalezca en el enfrentamiento.

300, es el Racing de Merlo 2007 en el segundo tiempo cuando pierde, empata o gana por un gol.

Maradona y Kusturica terminan la película

En mi otro blog pueden ver detalles y fotos del film del serbio Emir Kusturica sobre Diego Maradona.

Mis diez directores de cine favoritos (no hay un orden en especial)

.Martin Scorsese
.Walter Hill
.John Carpenter
.Clint Eastwood
.Francis Ford Coppola
.Leonardo Favio
.Woody Allen
.Adolfo Aristarain
.Claude Miller
.Damian Szifron (bueno sí, Szifron último está bien)

Clint Eastwood es el único nombre propio

La Conquista del Honor es un nombre absolutamente idiota para la versión norteamericana de la batalla de Iwo Jima entre Japón y Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Flags of our fathers es el título de la película de Clint Eastwood, una obra que no tiene nombres de relieve en su elenco.

El peso de la película es todo de Eastwood. Sin ponerme a pensar en las connotaciones políticas del film, ni de sus analogías con el presente (ejercicio tonto, ya que Estados Unidos siempre está embarcado en alguna guerra actual cuando se habla de una guerra vieja), es notable como Eastwood ha prescindido de pesos pesados para su película para que donde hay que ver soldados, veamos solamente soldados y no a tal o cual haciendo de un general o un sargento.

La película es emotiva. Genera congoja a partir de un hecho ajeno a nosotros (Estados Unidos contra Japón en la Segunda Guerra Mundial, sin exterminio nazi, sin campos de concentración) pero de un humanismo insolentemente conmovedor.

"En la guerra uno no pelea por su país. Pelea por el que está lado, por sus amigos", dice la narración en un pasaje del film

No hagamos cosas por el país, hagámoslas por los amigos, por los afectos cercanos.

Es más noble y más palpable. El país queda lejos si sólo nos ocupamos de él con declamadas buenas intenciones.

Lo otro, lo más real queda cerca. De eso habla Eastwood.